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Accaparée par d’ exaltants projets (littéraires et journalistiques -dont je vous parlerai dans les mois à venir-, outre la modification d’Inthemoodfordeauville.com que j’inaugure avec ce nouvel article), je n’ai pas eu le temps de vous livrer ici mon compte rendu, qui sera donc inhabituellement tardif et bref, du Festival du Film de Cabourg 2015 (dont vous pouvez retrouver le programme complet, ici), des journées romantiques, 29èmes du nom, qui eurent lieu du 10 au 14 juin 2015. Peut-être, aussi, que l’envie de le relater n’était pas aussi viscérale que lorsque je reviens de festivals qui furent enthousiasmants comme l’ont été le dernier Festival de Cannesle Festival Lumière de Lyon ou encore le Festival du Film Policier de Beaune ou même le Champs-Elysées Film Festival où j’ai fait une petite incursion au retour de Cabourg.  Cabourg… petite escale festivalière normande avant le 41ème Festival du Cinéma Américain de Deauville à suivre comme chaque année, en direct, ici, en septembre prochain (et pour lequel, comme chaque année, je vous ferai prochainement gagner des pass).

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Ce Festival de Cabourg s’est caractérisé par beaucoup d’attente (vaine, parfois) me contraignant à manquer la plupart des films que je souhaitais voir ou même revoir, en raison de  dysfonctionnements dans l’organisation (pour la presse uniquement, que le public soit privilégié est en revanche louable même si j’ai remarqué que l’obsession de certains était de boire du champagne ou se sustenter -pourquoi est-il nécessaire de venir dans un festival de cinéma pour cela, je m’interroge encore…-, sur ce point sans doute sont-ils repartis satisfaits, merci d’avance à la personne qui s’occupe de le presse de ne pas oublier que d’autres comme moi sont là par passion du 7ème art…). Il n’en demeure pas moins que j’aime toujours Cabourg, et que, d’ailleurs, je ferai  de son festival le cadre d’un prochain récit dont j’ai hâte de vous parler  mais c’est là une autre histoire. (Le Festival de Cabourg était d’ailleurs déjà aussi le cadre d’une des nouvelles de mon recueil « Ombres parallèles« ). 

En attendant, 13 ans après ma participation à son jury des courts-métrages et après y être retournée à diverses reprises, j’étais cette année de retour à Cabourg (après deux années consécutives au Champs-Elysées Film Festival dont une dans le jury blogueurs).

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Ce festival a tout de même été jalonné de beaux moments d’émotion. Et, comme toujours, j’ai décidé de ne retenir ici que le meilleur, c’est aussi la raison pour laquelle je ne vous parlerai pas ou que très brièvement du film vainqueur de la compétition auquel je suis restée totalement hermétique malgré l’unanimité avec laquelle le jury de cette édition, présidé par Juliette Binoche, l’a récompensé. Il s’agit de « L’Éveil d’Edoardo » de Duccio Chiarini (dont je viens de découvrir qu’il était sorti le 17 juin en salles) qui a reçu le prix de la jeunesse. Pour Edoardo, 17 ans, le temps des premiers émois est venu, le temps d’un été sur la côte italienne.  « La fragilité et les faiblesses du sexe masculin trop souvent représentées selon des stéréotypes machistes. La problématique sexuelle, vécue par le personnage d’Edoardo, était pour moi un outil narratif pour raconter le passage de l’adolescence à l’âge adulte de façon plus intime et profonde », a ainsi déclaré le réalisateur. La profondeur du film m’a sans doute échappé. L’homme est un être sensible. Voilà ce que s’évertue à nous raconter ce film, avec plus ou moins de délicatesse. Oscillant entre la bluette et le film irrévérencieux pseudo-trash pour ados, à l’image de son héros (me direz-vous) tantôt goujat, tantôt poète, si le film échappe certes aux « stéréotype machistes », il n’échappe en revanche pas à ceux de l’un et l’autre genre de films précités.

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Si l’affiche du festival  était évocatrice de chaleur, d’évasion, de langueur (d’après une photo extraite du film brésilien « Au premier regard » -« The way he looks »- de Daniel Ribeiro), les thématiques récurrentes de cette édition faisaient souvent rimer romantisme avec désespoir et étaient beaucoup plus sombres que ce que l’affiche de cette édition laissait présager, y compris dans les courts-métrages: deuil, fin de vie… sans oublier les traditionnels « parcours initiatiques » et tourments de l’adolescence.

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Ce festival a avant tout été marqué par la lumineuse présence de Michel Legrand auquel le festival rendait hommage et qui a, à lui seul, incarné le romantisme (en tout cas, si on se fie à ma propre définition de celui-ci, selon moi lié aux tourments et aux errements du cœur, souvent indissociable d’une certaine mélancolie) qui faisait parfois défaut aux films projetés (pour certains, aussi vague et multiple puisse être sa définition, je le cherche toujours, ce romantisme…), d’abord venu présenter « Cinq jours en juin ». Un film de 1988  qu’il a réalisé. Il s’agit d’un récit autobiographique dédié à sa mère, Marcelle dont il a parlé avec énormément d’émotion en présentant le film qui, sans aucun doute, a éclairé sous un autre jour la projection et a expliqué qu’elle m’a tant émue. Le film est certes de facture classique mais la réalisation est loin d’être inintéressante ou banale et, en plus d’être un musicien génial, Michel Legrand se révèle être un cinéaste doué, pudique et inspiré. Dans ce film, il raconte une histoire fortement inspiré de la sienne: Michel, âgé de quinze ans, (Matthieu Rozé) remporte son prix de piano au conservatoire de Paris le jour où les alliés débarquent sur les plages de Normandie. Les trains sont réquisitionnés, lui et sa mère (Annie Girardot) ne peuvent plus rentrer en Normandie. Avec Yvette ( Sabine Azéma), une jeune femme délurée, ils volent des bicyclettes et partent pour Saint-Lô. Sur leur chemin, ils échappent à des bombardements et à des combats, assistent à la débâcle des troupes allemandes et rencontrent des soldats américains. Michel tombe amoureux d’Yvette. Ce film exhale un parfum entêtant et enivrant qui doit s’appeler le charme qui doit beaucoup au trio de comédiens avec une Sabine Azéma, rayonnante, mutine, malicieuse, éclatante de vie et une Annie Girardot, à la fois grave et sereine et bienveillante, comme toujours d’une justesse remarquable. Un film plein de vitalité et d’émotions, de celle qui nous envahit quand on écrit pour les êtres chers disparus, de celle qui vient du cœur, qui transparait dans chacun des plans de ce film qui mérité d’être vu.

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 Michel Legrand a  reçu son Swann d’honneur des mains de Claude Lelouch et Nathalie Dessay. Il a raconté sur scène sa rencontre avec Macha Méril. Un beau moment d’émotion partagé salué par une standing ovation du public, ému et conquis.

Beau moment aussi que le Swann d’or du meilleur acteur décerné par Juliette Binoche à Benoît Magimel qui fut son partenaire dans « Les Enfants du siècle » de Diane Kurys pour son rôle dans « La tête haute » d’Emmanuelle Bercot pour lequel Rod Paradot a également été récompensé: « Il a le regard bleu, le sourire pas très loin, son cœur écorché vif et sa grâce font de lui un véritable acteur romantique. À toi, Benoit… » a-t-elle ainsi déclaré.

Après la soirée du palmarès, comme il est de tradition à Cabourg, les invités,   à 2H du matin se sont retrouvés autour du piano du Grand Hôtel. Un moment hors du temps que je suis finalement heureuse de n’avoir pas pu immortaliser parce que les émotions qu’il a procurées auraient de toute façon moins bien imprimées la photo que ma mémoire et l’intimité de l’instant ne s’y serait pas forcément prêté. Au panthéon des artistes s’étant pliés à l’exercice de bonne grâce  et  avec humilité : Emmanuelle Béart et Hervé Vilard  -qui s’est improvisé animateur de la soirée- chantant « Il n’y a plus d’après à Saint-Germain-des-Prés », Emmanuelle Béart interprétant, magnifiquement, « Seras-tu là » (bouleversant, bouleversante) , Nathalie Dessay et Michel Legrand, Raphaël Personnaz et Céline Scallette, Benoît Magimel sans oublier un « Capri, c’est fini », entonné joyeusement par toute l’assistance sous le regard de Xavier Beauvois, Juliette Binoche, Sonia Rolland- radieuse- etc. J’ai quitté les lieux à 5h du matin avant que la soirée ne s’achève, (il faut toujours quitter une soirée avant qu’elle ne s’achève, qu’il ne soit trop tard-ou tôt-, que la bonne humeur ne se tarisse et ne devienne feinte, que les cœurs ne dégrisent et que les regards ne se voilent de tristesse ou d’amertume),  grisée de musiques et de romantisme qu’a indéniablement incarné cette soirée, scène irréelle où je marchais dans la rue recouverte du tapis rouge, déserte à cette heure alors qu’elle était grouillante de monde dans la journée (photo ci-dessous).

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  Retrouvez, ci-dessous, mes critiques de mes coups de cœur du festival (dont je précise que, pour leur grande majorité, je les avais vus auparavant dans d’autres festivals ou en avant-première. Ces films furent soit projetés, soit primés à Cabourg (parfois les deux). Vous trouverez les explications de leur présence ici avant chaque critique. Retrouvez également le palmarès ci-dessous ainsi que quelques clichés complémentaires en bas de page (à retrouvezraussi sur mon compte instagram @sandra_meziere).

 

Critique de « Valley of love » de Guillaume Nicloux (film projeté en clôture du Festival du Film de Cabourg 2015, sur scène, lors de l’annonce du palmarès, Xavier Beauvois s’est dit bouleversé par le film et a tenu à le recommander).

 

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C’est à la fin du Festival de Cannes où il figurait en compétition officielle (le film était également en ouverture du Champs-Elysées Film Festival et en clôture du Festival du Film de Cabourg) que j’ai découvert pour la première fois « Valley of love », après 10 jours de grand cinéma qui font que, parfois, les images se mêlent, s’embrouillent, ne sont pas appréciées à leur juste valeur, surtout en un lieu et une époque où chacun se doit de donner (et de proclamer haut et fort) un avis à peine le générique terminé et qui comme le sujet du film finalement (le deuil) se doit d’être zappé. Or, certains films se dégustent plus qu’ils ne se dévorent, et il faut souvent du temps pour en appréhender la force, la profondeur, la pérennité de leurs images. C’est le cas de « Valley of love » qui, à Cannes, m’avait laissé un goût d’inachevé, malgré l’émotion qu’il avait suscitée en moi. Ce fut également sans aucun doute la conférence de presse la plus intéressante de ce 68ème Festival de Cannes. Curieusement, c’est celui auquel je repense le plus souvent et c’est sans aucun doute le pouvoir des grands films que de vous accompagner, de vous donner la sensation d’avoir effectué un voyage à l’issue duquel vous n’êtes plus tout à fait la même personne, c’est pourquoi j’ai décidé de retourner le voir pour vous en parler comme il le mérite.

Isabelle (dont le prénom n’est d’ailleurs jamais prononcé) et Gérard (interprétés aussi par Isabelle –Huppert- et Gérard -Depardieu-) se rendent à un étrange rendez-vous dans la Vallée de la mort, en Californie. Ils ne se sont pas revus depuis des années et répondent à une invitation de leur fils, Michael, photographe, qu’ils ont reçue après son suicide, six mois auparavant. Malgré l’absurdité de la situation, ils décident de suivre le programme initiatique imaginé par Michael. Quel pitch prometteur et original, en plus de cette prestigieuse affiche qui réunit deux monstres sacrés du cinéma et qui reconstitue le duo de « Loulou » de Pialat, 35 ans après !

Les premières minutes du film sont un modèle du genre. La caméra suit Isabelle qui avance de dos, vers un motel au milieu de nulle part. Une musique étrange et hypnotique (quelle musique, elle mérite presque à elle seul ce voyage !) l’accompagne. Les bruits de ses pas et de la valise marquent la cadence. Au fur et à mesure qu’elle avance, des notes dissonantes se glissent dans la musique. Puis, elle apparaît face caméra, dans la pénombre, son visage est à peine perceptible. Et quand elle apparaît en pleine lumière, c’est derrière les barreaux d’une fenêtre. Elle enlève alors ses lunettes et se dévoile ainsi à notre regard. Tout est là déjà : le cheminement, les fantômes du passé, l’ombre, le fantastique, la sensation d’enfermement, de gouffre obscur. Plus tard, ils se retrouvent. Le contraste est saisissant, entre le corps imposant et généreux de l’un, le corps frêle et sec de l’autre au milieu de ce paysage d’une beauté vertigineuse, infernale, fascinante, inquiétante.

 

Le décor est le quatrième personnage avec Isabelle, Gérard, le fils absent et omniprésent. La chaleur est palpable, constamment. Des gouttes de sueur perlent sur le front de Gérard, se confondent parfois avec des larmes imaginées, contenues. Les grandes étendues vertigineuses du désert résonnent comme un écho à ce vertige saisissant et effrayant du deuil que ce film évoque avec tellement de subtilité, ainsi que son caractère si personnel et intransmissible. Isabelle n’est ainsi pas allée à l’enterrement de son fils parce qu’elle ne va plus aux enterrements depuis la mort de son père. On imagine que la vie les a l’un et l’autre happés, les a contraints à masquer leur douleur indicible, que ces étendues à perte de vue, le vide et l’enfer qu’elles symbolisent leur permet enfin d’y laisser libre cours « comme une sorte de pèlerinage. » : « Parfois j’ai l’impression que je vais m’effondrer, que plus rien ne me porte. Je me sens vidée, abandonnée », dit ainsi Isabelle.

 

Grâce à l’humour judicieusement distillé, qui joue sur l’étanchéité des frontières entre leurs identités réelles et leurs identités dans le film (Gérard est acteur, dit être né à Châteauroux, et ne lit que les titres des films pour savoir s’il va accepter un film), elle est végétarienne, le trouve caractériel, lui reproche d’altérer l’écosystème parce qu’il nourrit les lézards. Le comique de situation provient du contraste entre ces deux corps, du contraste visuel aussi de ces deux personnages au milieu du décor (certains plans d’une beauté décalée, imprègnent autant la pellicule que la mémoire des spectateurs), à la fois gigantesques et minuscules dans cette vallée de la mort où ils ont rendez-vous avec leur fils, leur amour perdu. Ces quelques moments de comédie, comme dans le formidable film de Moretti, également en compétition du 68ème Festival de Cannes et également oublié du palmarès (« Mia Madre ») qui aborde le même sujet, permettent de respirer dans ce décor à perte de vue et étouffant avec cette chaleur écrasante, à l’image du deuil qui asphyxie et donne cette impression d’infini et d’inconnu oppressants.

 

Mon seul regret concerne une scène trop écrite (dans la voiture) qui expose leurs situations respectives mais ce qui m’a gênée à la première vision, me paraît anecdotique à la deuxième. Certaines phrases résonnent avec d’autant plus de justesse qu’elles sont dites par des comédiens qui les prononcent avec une infinie délicatesse, qui trouvent constamment la note juste : « Si on se met à détester quelqu’un avec qui on a vécu c’est qu’on ne l’a jamais vraiment aimé. Quand on aime quelqu’un c’est pour toujours. » La force de ces deux immenses comédiens est de malgré tout nous faire oublier Depardieu et Huppert et de nous laisser croire qu’ils sont ces Isabelle et Gérard. Et il leur suffit de lire une lettre dans le décor épuré d’une chambre, sans autre artifice que leur immense talent, pour nous émouvoir aux larmes sans parler de cette scène finale bouleversante qui m’a ravagée à la deuxième vision autant qu’à la première.

 

 

 

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Ce film qui ne ressemble à aucun autre, qui n’est pas dans le spectaculaire et l’esbroufe, mais dans l’intime et la pudeur, aborde avec beaucoup d’intelligence et de sensibilité une réflexion sur le deuil et ce lien distordu avec le réel qu’il provoque, tellement absurde et fou, qu’il porte à croire à tout, même aux miracles, même une rencontre avec un mort dans une vallée du bout du monde. Aux frontières du fantastique qu’il franchit parfois, avec sa musique hypnotique, ses comédiens qui crèvent l’écran et un Depardieu à la présence plus forte que jamais (et il n’est pas question ici seulement de corpulence mais de sa capacité inouïe à magnétiser et occuper l’écran), un décor qui pourrait être difficilement plus cinégénique, intrigant, fascinant, inquiétant, « Valley of love »est un film captivant duquel se dégage un charme étrange   et envoûtant.

En résulte une réflexion intéressante sur le deuil qui abolit ou suscite de nouvelles croyances (finalement l’homme ou la femme endeuillé(e) devient peut-être cet homme irrationnel du film de Woody Allen dans le formidable « Irrational man »), finalement comme le cinéma… Ainsi, Lambert Wilson, maître de cérémonie de ce 68ème Festival de Cannes, lors de l’ouverture, n’a-t-il pas dit lui-même « Le cinéma, c’est le rêve, le secret, le miracle, le mystère ». « Valley of love » est ainsi aussi une métaphore du cinéma, ce cinéma qui donne vie aux illusions, cette croyance folle que porte Isabelle face au scepticisme de Gérard.

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Une fin qui nous hante longtemps après le générique, une fin d’une beauté foudroyante, émouvante, énigmatique. Un film pudique et sensible qui mérite d’être vu et revu et qui ne pourra que toucher en plein cœur ceux qui ont été confrontés à cet intolérable et ineffable vertige du deuil. L’oublié du palmarès comme le fut un autre film produit par sa productrice Sylvie Pialat l’an passé, l’immense « Timbuktu ».

-Conférence de presse de « Valley of love » au 68ème Festival de Cannes –

 

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Ci-dessous, quelques citations de la conférence de presse cannoise, lors de laquelle les deux acteurs se sont prêtés sans rechigner et avec générosité au jeu des questions, et en particulier Gérard Depardieu, bien plus complexe et passionnant que l’image à laquelle certains voudraient le réduire (j’en veux pour preuve les citations de cette conférence de presse reprises avec démagogie par certains médias qui n’ont pas pris la peine de citer en entier ses propos).

« J’étais émerveillée par le scénario. » Sylvie Pialat

« Je ne me servirai pas du deuil de Guillaume pour le rôle car c’est 1deuil à part mais je peux imaginer le poids de ces lettres. » Depardieu

« Je n’ai pas de vision de l’Ukraine. Je suis comme tout le monde choqué. J’adore peuple ukrainien. Ces conflits ne sont pas de mon ressort. » Depardieu

« Je connais très mal les cinéastes de maintenant. J’aime beaucoup des gens comme Audiard dont le physique me fait penser à son père. » Depardieu

 

« J’adore les séries et des acteurs comme B. Willis. Je ne rechigne pas devant un bon Rossellini ou un très bon Pialat. » Depardieu

« Je me suis rendu compte que je faisais ce métier par plaisir et parce que ça facilitait la vie. » Depardie

« J’ai décidé de faire ce métier car je ne voulais pas travailler. Je me suis rendu compte que je voulais vivre. » Depardieu

« Ce film, c’est comme une lecture sur des questions essentielles dont nous avons oublié de nous souvenir. » Gérard Depardieu

« En lisant script sur ces actes manqués de l’oubli, ces interrogations qui nous retombent dessus, je l’ai rarement lu. » Depardieu

« J’avais vu « La Religieuse », un film qui m’avait particulièrement interpellé. » G.Depardieu

« L’idée de départ, qu’on s’appelle Gérard et Isabelle a créé d’emblée un aspect documentaire, un rapport particulier aux rôles. » Huppert

« On se croit sur une autre planète dans la Vallée de la mort. On ne peut se raccrocher à rien. » Isabelle Huppert

« Le lieu a été l’élément déclencheur de l’histoire. » Guillaume Nicloux

Critique de « La rançon de la gloire » de Xavier Beauvois (film projeté à Cabourg dans le cadre de l’hommage à Michel Legrand)

 

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Tout juste sorti de prison, Eddy Ricaart (Benoît Poelvoorde) est accueilli par son ami Osman Bricha (Roschdy Zem). Ils ont tous deux convenu d’un marché : Osman héberge Eddy ; en échange de quoi, celui-ci s’occupe de sa fille de sept ans, Samira – le temps que sa femme Noor subisse des examens à l’hôpital. Mais en cette veille de Noël le manque d’argent se fait cruellement sentir. Aussi, lorsque la télévision annonce la mort du richissime comédien Charlie Chaplin, Eddy a une idée : subtiliser le cercueil de l’acteur et demander une rançon à la famille ! Au même moment, le cirque s’installe en ville. Pour ce nouveau film, en compétition dans le cadre de la dernière Mostra de Venise, auréolé du succès publique et critique de son dernier film « Des Hommes et des Dieux », Xavier Beauvois a choisi de prendre un nouveau virage, celui de la comédie. Dans le premier plan, Eddy sort de prison, cheminant de l’ombre vers la lumière tandis qu’un gardien lui crie d’arrêter de faire son clown. Voilà son destin tracé: Eddy sortira de l’ombre vers la lumière en faisant le clown.« La rançon de la gloire » est avant tout une déclaration d’amour au cinéma, un hommage à Chaplin, une mise en lumière du talent de Poelvoorde qui, avec ce dernier, a en commun de nous faire passer du (sou)rire aux larmes en un quart de seconde, d’être un clown dont la mélancolie sans cesse affleure et nous bouleverse. L’ombre de Chaplin plane sur tout le film, de la scène de la fin des « Lumières de la ville» (une des plus belles scènes du cinéma si ce n’est la plus belle) diffusé à la télévision que regardent Eddy et Osman aux multiples références au « Feux de la rampe » mais aussi avec des clins d’œil au « Kid », à « La ruée vers l’or »… Peut-être le poids de ces références a-t-il été un peu lourd à porter, notamment lors de la scène, un peu longue (pour nous faire éprouver leur labeur, certes) où les deux bras-cassés déterrent et enterrent à nouveau le cercueil, coupant un peu le rythme du film pourtant jalonné de moments de grâce comme lorsqu’Eddy et Osman dansent dans leur taudis mais aussi jalonné de plans d’une beauté époustouflante comme celui d’Eddy et Samira au bord du Lac Léman, nous rappelant les plans d’une beauté ravageuse du magnifique « Des hommes et des dieux ». L’emphase lyrique et poignante de la musique de Michel Legrand qui se marie magnifiquement avec celle, étourdissante de beauté, des « Feux de la rampe » apporte au film une dimension supplémentaire. Un film doucement burlesque, tendrement drôle sublimé par la musique de Michel Legrand et porté par un formidable duo de comédiens et Benoît Poelvoorde, une nouvelle fois remarquable (après « 3 cœurs » de Benoît Jacquot dont vous pourrez retrouver ma critique, ici), dans le rôle de cet homme qui, en se maquillant et jouant un rôle, va dévoiler son vrai visage, finalement une métaphore du réalisateur qui, derrière sa caméra, orchestre ses vraies émotions, les met en lumière et dans la lumière.

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Ma critique de « La tête haute » publiée à la suite de l’ouverture du 68ème Festival de Cannes à l’occasion de laquelle le film a été projeté (film projeté à Cabourg, dans le cadre des séances sur la plage, Benoît Magimel a également reçu le Swann d’or -amplement mérité- du meilleur acteur pour ce film et Rod Paradot, le prix, tout aussi mérité, « Premier Rendez-Vous » ).

 

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Le temps de débarrasser la scène du Grand Théâtre Lumière des apparats de l’ouverture, et nous voilà plongés dans un tout autre univers : le bureau d’une juge pour enfants (Catherine Deneuve), à Dunkerque. La tension est palpable. Le ton monte. Les éclats de voix fusent. Une femme hurle et pleure. Nous ne voyons pas les visages. Seulement celui d’un enfant, Malony, perdu au milieu de ce vacarme qui assiste, silencieux, à cette scène terrible et déroutante dont la caméra frénétique accompagne l’urgence, la violence, les heurts. Un bébé crie dans les bras de sa mère qui finalement conclut à propos de Malony qu’il est « un boulet pour tout le monde ». Et elle s’en va, laissant là : un sac avec les affaires de l’enfant, et l’enfant, toujours silencieux sur la joue duquel coule une larme, suscitant les nôtres déjà, par la force de la mise en scène et l’énergie de cette première scène, implacable. Dix ans plus tard, nous retrouvons les mêmes protagonistes dans le même bureau … Ce film est réalisé par Emmanuelle Bercot dont j’avais découvert le cinéma et l’univers si fort et singulier avec « Clément », présenté à Cannes en 2001, dans le cadre de la Section Un Certain Regard, alors récompensé du Prix de la jeunesse dont je faisais justement partie cette année-là. Depuis, je suis ses films avec une grande attention jusqu’à « Elle s’en va », en 2013, un très grand film, un road movie centré sur Catherine Deneuve, « né du désir viscéral de la filmer ». Avant d’en revenir à « La tête haute », je ne peux pas ne pas vous parler à nouveau de ce magnifique portrait de femme sublimant l’actrice qui l’incarne en la montrant paradoxalement plus naturelle que jamais, sans artifices, énergique et lumineuse, terriblement vivante surtout. C’est aussi une bouffée d’air frais et d’optimisme qui montre que soixante ans ou plus peut être l’âge de tous les possibles, celui d’un nouveau départ. En plus d’être tendre (parfois caustique mais jamais cynique ou cruel grâce à la subtilité de l’écriture d’Emmanuelle Bercot et le jeu nuancé de Catherine Deneuve), drôle et émouvant, « Elle s’en va » montre que, à tout âge, tout peut se (re)construire, y compris une famille et un nouvel amour. « Elle s’en va » est de ces films dont vous ressortez émus et le sourire aux lèvres avec l’envie d’embrasser la vie. Et contre toute attente, c’est aussi l’effet produit par « La tête haute » où il est aussi question de départ, de nouveau départ, de nouvelle chance. Avec beaucoup de subtilité, plutôt que d’imprégner visuellement le film de noirceur, Emmanuelle Bercot a choisi la luminosité, parfois le lyrisme même, apportant ainsi du romanesque à cette histoire par ailleurs particulièrement documentée, tout comme elle l’avait fait pour « Polisse » de Maïwenn dont elle avait coécrit le scénario. Le film est riche de ce travail en amont et d’une excellente idée, avoir toujours filmé les personnages dans un cadre judiciaire : le bureau de la juge, des centres divers… comme si toute leur vie était suspendue à ces instants. Le grand atout du film : son énergie et celle de ses personnages attachants interprétés par des acteurs judicieusement choisis. Le jeune Rod Paradot d’abord, l’inconnu du casting qui ne le restera certainement pas longtemps et qui a charmé l’assistance lors de la conférence de presse hier, avec son sens indéniable de la répartie (« la tête haute mais la tête froide »…), tête baissée, recroquevillé, tout de colère rentrée parfois hurlée, dont la présence dévore littéralement l’écran et qui incarne avec une maturité étonnante cet adolescent insolent et bravache qui n’est au fond encore que l’enfant qui pleure des premières minutes. Catherine Deneuve, ensuite, une nouvelle fois parfaite dans ce rôle de juge qui marie et manie autorité et empathie. L’éducateur qui se reconnaît dans le parcours de ce jeune délinquant qui réveille ses propres failles incarné par Benoît Magimel d’une justesse sidérante. La mère (Sara Forestier) qui est finalement l’enfant irresponsable du film, d’ailleurs filmée comme telle, en position fœtale, dans une très belle scène où les rôles s’inversent. Dommage (et c’est mon seul bémol concernant le film) que Sara Forestier ait été affublé de fausses dents (était-ce nécessaire ?) et qu’elle surjoue là où les autres sont dans la nuance, a fortiori les comédiens non professionnels, excellents, dans les seconds rôles. Ajoutez à cela des idées brillantes et des moments qui vous cueillent quand vous vous y attendez le moins : une main tendue, un « je t’aime »furtif et poignant, une fenêtre qui soudain s’est ouverte sur « Le Monde » (littéralement, si vous regardez bien…) comme ce film s’ouvre sur un espoir. Après « Clément », « Backstage », « Elle s’en va », Emmanuelle Bercot confirme qu’elle est une grande scénariste et réalisatrice avec qui le cinéma va devoir compter, avec ce film énergique et poignant, bouillonnant de vie, qui nous laisse avec un salutaire espoir, celui que chacun peut empoigner son destin quand une main se tend et qui rend un bel hommage à ceux qui se dévouent pour que les enfants blessés et défavorisés par la vie puissent grandir la tête haute. Un film qui « ouvre » sur un nouveau monde, un nouveau départ et une bouffée d’optimisme. Et ça fait du bien. Une très belle idée que d’avoir placé ce film à cette place de choix et de lui donner cette visibilité.

Critique de « Respire » de Mélanie Laurent (le film ne fut pas projeté à Cabourg mais je tenais absolument à vous en parler à nouveau, Joséphine Japy ayant ENFIN eu la récompense qu’elle méritait pour ce film : le Swann d’or de la révélation féminine -elle fut souvent nommée cette année, de même que Lou de Laâge qui méritait tout autant cette récompense mais, à chaque fois, Adèle Haenel, l’a emporté face à elles).-Ma critique ci-dessous a été publiée suite à la projection du film dans le cadre du Festival du Film de Saint-Jean de Luz dans le cadre duquel je l’ai découvert).

 

 

C’est dans le cadre du 1er Festival International du Film de Saint-Jean-de-Luz que j’ai eu le plaisir de découvrir le film  dont la réalisatrice avait obtenu le prix du public à Saint-Jean-de-Luz, il y a trois ans, pour son premier long métrage en tant que réalisatrice, « Les Adoptés». Elle avait alors également reçu le prix du jury.

 

Il s’agit en effet du  nouveau film de Mélanie Laurent qui y présentait  son deuxième long métrage en tant que réalisatrice, « Respire ». Cette séance fut riche en émotions et pas seulement parce que ce fut la dernière d’un film en compétition de ce 1er Festival International du Film de Saint-Jean-de-Luz mais aussi parce que la réalisatrice avait fait le voyage, entre deux scènes avec Angelina Jolie pour qui elle tourne actuellement, pour parler (avec passion) de son film après la projection mais aussi parce que Dany Boon, actuellement en tournage à Saint-Jean-de-Luz du dernier film de Julie Delpy « Lolo » était présent, ce qui a donné lieu à de savoureux échanges. La vidéo (ci-dessus) de présentation du film avant la projection témoigne de la convivialité et la bonne humeur communicatives qui règnaient dans ce festival.

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Mélanie Laurent fait partie de ceux que certains aiment détester parce qu’elle a « le malheur » d’être une jeune femme polyvalente, déterminée et talentueuse dans chacun des domaines auxquels elle s’attèle : elle chante, joue, réalise. Une artiste à part entière guidée par le désir de créer. En est une nouvelle preuve la vidéo la mettant en scène, vidéo d’une méchanceté stupide, lâche et abjecte (qui avait pour seul mérite de démontrer, si besoin était, la puissance du montage cinématographique qui peut étayer n’importe quelle démonstration et orienter n’importe quel discours) qui a circulé récemment dans tous les médias qui l’ont repris comme si cela avait  valeur d’information, les mêmes médias parfois qui, lors du dernier Festival de Cannes, ont encensé « Respire » qui dénonce finalement cette perversité dont cette vidéo est finalement une forme de manifestation. La société, a fortiori médiatique, avide de cynisme et de détestation, et de détruire ceux qu’elle envie ou a encensé probablement dans un moment d’égarement, n’est pas à un paradoxe près. J’espère simplement que cela n’empêchera pas le film et da réalisatrice de connaître le succès qu’ils méritent.

Ce nouveau film qui fut aussi présenté en séance spéciale à Cannes dans le cadre de la Semaine de la Critique 2014 est aussi sans aucun doute guidé par cet désir de créer, et de dire. Elle portait en effet ce projet de « Respire » depuis la parution du livre dont il est la libre adaptation, un premier roman éponyme d’Anne-Sophie Brasme de 2001.

A cet âge où tout est essentiel, à la fois dérisoire et grave, passionné et viscéral, Charlie (Joséphine Japy), une jeune fille de 17 ans rencontre Sarah (Lou de Laâge). Sarah, c’est la nouvelle du lycée, celle que tout le monde « adopte »  et adore immédiatement, celle qui fascine, éblouit. La star immédiate du lycée. Sarah va choisir Charlie. Cette rencontre va peu à peu priver Charlie de souffle, l’enfermer dans une histoire étouffante d’amitié perverse…

Dès le premier plan, Mélanie Laurent témoigne de sa parfaite maîtrise de son sujet et de sa caméra, franchissant encore une étape après « Les Adoptés ». L’évolution est flagrante dès le début du film.  Ce premier plan nous montre des toits tristement identiques de  pavillons de province. Lui succède celui d’une adolescente qui se lève  avec, hors-champ, les cris de ses parents qui se déchirent. Le décor est planté. L’apparente tranquillité n’est qu’un leurre.  Tout peut exploser, la tranquillité peut se briser, à tout instant.

Au lycée, en cours, Charlie apprend les excès de la passion. Il suffisait de trouver un objet à celle-ci. Ce sera Sarah.  Peu à peu l’étau va se refermer sur Charlie, sa prison dans laquelle elle va elle-même s’enfermer. Mélanie Laurent distille progressivement des indices qui témoignent de la perversité de Sarah, créant un malaise et une empathie croissantes du spectateur pour Charlie. La tension est accentuée par une caméra à l’épaule, qui ne laisse pas de répit, suggère la survenance possible d’un drame. A tout moment. Comme un serpent prêt à surgir et étouffer sa proie.

Comme sa mère qui pardonne toujours à son père, Charlie pardonnera toujours comme aveuglée, emprisonnée dans cette pseudo-amitié, dans sa fascination. Mélanie Laurent ne lâche ni ses actrices ni le spectateur, pas une seconde, tout comme Sarah ne lâche pas Charlie grâce à la qualité et la précision de son écriture (pas de plan superflu ou vain),  la beauté froide ou lumineuse des images ( comme ces plans de bord de mer dont la luminosité contraste intelligemment avec la noirceur de ce que commence alors à vivre Charlie) et  le talent de ses deux comédiennes (sans doute aussi très bien dirigées) qui crèvent littéralement l’écran. Va  s’opérer un glissement progressif du drame social vers le thriller. Planent les ombres de Chabrol, Hitchcock, Gus Van Sant, Sofia Coppola (sans les tics parfois mode-rne-s de cette dernière) mais surtout celle d’une nouvelle cinéaste qui ne cite pas les autres mais construit sa propre filmographie et ses propres codes : Mélanie Laurent.

Le film est aussi jalonné de moments de grâce comme lorsque les deux jeunes filles dansent sur « You and Me » de Disclosure, exacerbant encore la noirceur de ce qui suivra et le sentiment de prison sans échappatoire pour Charlie.

Après la projection, Mélanie Laurent a raconté avoir découvert Lou de Laâge dans « J’aime regarder les filles », le magnifique premier film de Frédéric Louf qui avait révélé un autre immense comédien, Pierre Niney. Je me réjouis encore d’avoir fait partie du jury qui avait récompensé Lou de Laâge au Festival International du Film de Boulogne-Billancourt pour « Nino, une adolescence imaginaire de Nino Ferrer » de Thomas Bardinet.  Ici, elle excelle une nouvelle fois dans ce rôle de manipulatrice qui, sous des abords au départ particulièrement affables, va  se révéler venimeuse, double, perverse. Face à elle, Joséphine Japy est époustouflante, interprétant avec beaucoup de nuances, notamment grâce à d’éloquents silences, sa souffrance indicible. C’est d’autant plus impressionnant qu’une vingtaine de séquences ont été improvisées. Mélanie Laurent a ainsi passé 4 mois à travailler avec ses actrices pour seulement 6 semaines de tournage.

Un film à la fois intemporel (Mélanie Laurent ne situe d’ailleurs pas vraiment l’intrigue dans une époque précise) et dans l’air du temps (mais qui ne cherche pas à l’être) qui peut-être en aidera certain(e)s à fuir et ne pas se laisser enfermer par ces « ami(e)s » toxiques qui, avancent masqué(e)s, séduisent tout le monde avec une habileté et une ingénuité fourbes, pour mieux  exclure la proie choisie, se l’accaparer, puis la détruire. Un film dont la brillante construction met en lumière la noirceur et la détermination destructrices de ces êtres, nous plongeant avec Charlie dans cet abyme mental en apparence inextricable.

Un film d’une remarquable maîtrise et justesse, au parfum pernicieusement envoûtant, prenant, parfaitement maîtrisé du premier au dernier plan qui est d’une logique aussi violente qu’implacable. Le dénouement apparaît en effet finalement comme la  seule respiration et la seule issue possibles. Un film qui m’a laissée à bout de souffle, longtemps après le générique de fin.

Et si vous n’ êtes pas encore convaincus, voici les mots de Dany Boon à la fin de la projection qui auront pour vous peut-être plus de poids que les miens : « J’ai trouvé le film très maîtrisé, incroyable. La fin est très prenante. Film bouleversant, d’une justesse incroyable, je suis très impressionné ».

 

A voir également:

« Les Bêtises » de Rose et Alice Philippon dont c’est le premier long-métrage, à voir pour Jérémie Elkaïm, lunaire, burlesque, attendrissant, entre Pierre Richard et M. Hulot, absolument irrésistible…et pour Sara Giraudeau dont le personnage possède un charme et une maladresse tout aussi irrésistibles. Un film à l’humour tendre et décalé, une bulle de champagne récréative .

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« Un moment d’égarement » de Jean-François Richet (dans un genre nouveau et inattendu), remake d’un film écrit et réalisé par Claude Berri-c’est son  films Thomas Langmann qui est l’initiateur et le producteur du projet- avec Marielle et Lanoux remplacé ici par Cassel et Cluzet, dont on aurait parfois aimé qu’il bascule vers le drame (aux frontières duquel il se situe parfois et pour lequel le film dont il est l’adaptation avait davantage opté). A été choisie la voie du divertissement qui tient d’ailleurs ses promesses avec un duo de grands acteurs qui fonctionne parfaitement (Cassel – Cluzet) et deux jeunes actrices très prometteuses: Lola Le Lann et Alice Isaaz. A noter, une excellente BO dont « I Follow Rivers » de Lykke Li déjà indissociable de « La Vie d’Adèle ». 

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« Lessons in love » de Fred Schepisi qui a reçu le prix du public , à voir d’abord et surtout pour Juliette Binoche qui, une fois de plus, crève l’écran et qui incarne ici  Dina Delsanto, une peintre abstraite autrefois célèbre pour son art (Juliette Binoche a réellement peint les œuvres présentées, réalisées pour le film), reconvertie en enseignante, à cause d’une polyarthrite précoce. Elle rencontre une ancienne star littéraire et en crise personnelle, Jack (Clive Owenà) qui n’a pas publié depuis des années. Il retrouve son inspiration au travers d’une rivalité avec cette dernière. Ils embrigaderont leurs élèves dans une joute pour savoir quelle est la plus belle forme d’art : les images ou les mots.  Un bel hommage à la force et la beauté de ces deux arts.

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 PALMARES DU FESTIVAL DU FILM DE CABOURG 2015

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Juliette Binoche (présidente du jury) étaitaccompagnée de : Jérôme Bonnell (réalisateur), Luís Galvão Teles (réalisateur et producteur), Maxime Nucci (compositeur-interprète et acteur), Raphaël Personnaz (acteur), Céline Sallette (actrice), Guillaume Schiffman (directeur de la photographie), Gilles Taurand (scénariste) et Mélanie Thierry (actrice).

Grand Prix

 L’Éveil d’Edoardo de Duccio Chiarini 

Prix Spécial du jury

Zurich de Sacha Polak

Prix de la jeunesse

L’Éveil d’Edoardo de Duccio Chiarini

Prix du Public essilor

Lessons In Love de Fred Schepisi

Section courts Métrages

Meilleur Court Métrage

Copain de Jan et raf roosens

Meilleures actrices Louisiane Gouverneur et Ilys barillot dans « À qui la faute » de Anne-Claire Jaulin

Meilleur Acteur benoit Hamon dans « Jeunesse des loups garous » de Yann Delattre

Swann d’or

Révélation féminine

Joséphine Japy dans Respire  de Mélanie Laurent

Révélation Masculine Kévin Azaïs dans Les Combattants de Thomas Cailley

Meilleure actrice

Anaïs Demoustier dans À trois on y va de Jérôme Bonnell

Meilleur Acteur

Benoît Magimel dans La Tête haute d’Emmanuelle Bercot

Meilleur Film

 Caprice d’Emmanuel Mouret

Meilleur réalisateur

Arnaud Desplechin pour Trois souvenirs de ma jeunesse

Meilleur Premier Film

Clovis Cornillac pour Un Peu, Beaucoup, Aveuglément

Coup de Cœur

 Michel legrand

Prix Premier rendez-Vous

Pour une actrice

Sophie Verbeeck dans À trois on y va de Jérôme Bonnell

Pour un acteur Rod Paradot dans La Tête haute d’Emmanuelle Bercot

 

Quelques clichés complémentaires: 

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Ci-dessus, le Grand Hôtel de Cabourg et son excellent tea time (testé et approuvé).

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Merci à la joyeuse et très sympathique équipe de Dr. Hauschka (partenaire du festival) pour le chaleureux accueil dans leur chambre du Grand Hôtel.

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Ci-dessus, je ne pouvais pas aller à Cabourg sans faire une escale à Deauville et l’immortaliser une nouvelle fois.

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Chaque journée débutait par le petit déjeuner chez « Dupont avec un thé » (présent à Cabourg, Deauville, Trouville et Dives), réputé (à raison) pour ses succulentes viennoiseries et pâtisseries -mention spéciale pour le fraisier-.

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A lire également:

Mon avis sur l’hôtel Les Bains de Cabourg

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Sandra Mézière

Blogueuse et romancière. Diplômée en droit, sciences politiques, médiation culturelle (mémoire sur le cinéma avec mention TB) et d'un Master 2 professionnel de cinéma. 15 fois membre de jurys de festivals de cinéma (dont 10 sur concours d'écriture). 22 ans de pérégrinations festivalières. Blogueuse depuis 14 ans. Je me consacre aujourd'hui à ma passion, viscérale, pour le cinéma et l'écriture par l'écriture de 7 blogs/sites que j'ai créés ( Inthemoodforfilmfestivals.com, Inthemoodforcinema.com, Inthemoodfordeauville.com, Inthemoodforcannes.com, Inthemoodforhotelsdeluxe.com, Inthemoodforluxe.com... ), de romans, de scénarii et de nouvelles. en avril 2016, a été publié mon premier roman au cœur des festivals de cinéma, aux Editions du 38: "L'amor dans l'âme" et en septembre 2016, chez le même éditeur, mon recueil de 16 nouvelles sur les festivals de cinéma "Les illusions parallèles". Pour en savoir plus sur mon parcours, mes projets, les objectifs de ce site, rendez-vous sur cette page : http://inthemoodforfilmfestivals.com/about/ et pour la couverture presse sur celle-ci : http://inthemoodforfilmfestivals.com/dans-les-medias/ . Je travaille aussi ponctuellement pour d'autres médias (Clap, Journal de l'ENA, As you like magazine etc) et je cherche également toujours à partager ma passion sur d'autres médias. Pour toute demande (presse, contact etc) vous pouvez me contacter à : sandrameziere@gmail.com ou via twitter (@moodforcinema, mon compte principal: 5400 abonnés ). Vous pouvez aussi me suivre sur instagram (@sandra_meziere).

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